viernes, 27 de abril de 2007

2 Fotografies de Txema Farrona

.


















La dolce vita is in my house (01/03/2007)



















Downtown closer (10/04/2007)
O el camino hacia los bajos fondos
siempre es el camino más fácil.
.
Podeu entrar a http://www.disparaleatodo.com per a seguir veient les fotos del Txema i les d'altres col·laboradors d'aquesta interessant pàgina.
.

jueves, 19 de abril de 2007

La borrosa i breu història d'en Joni Culleretes


En Joni Culleretes va néixer tort.
Esclar que això la seva mare va trigar un cert temps en veure-ho, però quan ho va saber reconèixer es va dir en un intens monòleg interior: «té els ulls ben torts, aquesta criatura.»
Aquest fet dissortat va condicionar la vida sencera del nostre heroi fins al punt de negar-se a anar a estudi. Quan va aconseguir cert ús de raó, en Culleretes va penjar la bata i va deixar els llibres sobre la taula per sempre més. I diuen que no va tornar a obrir un llibre en sa trista vida. Des de la tendra edat dels deu anys, en Joni es va dedicar a passejar la seva dissort pels carrers.
.
Conforme s’anava fent gran, en Joni adquiria rutines cada cop més consistents. Els dimarts i els dijous baixava fins al port, s’hi quedava palplantat i es quedava observant durant hores i hores les descàrregues que arribaven des dels mars del sud. Els homes del port ja se’l coneixien i de vegades li feien...

- Ep! Noi! T’ho mires o ens ajudes?
- M’ho miro.
- Doncs gradua’t la vista!

En aquest punt de la llarga i distesa conversa, els portuaris esclataven en grans rialles i en Joni se’n tornava emprenyat per allà on havia vingut renegant com un foll i vigila que duc mala hòstia. Però a mesura que caminava i caminava, potser per allò de cremar les toxines, en Joni s’anava posant de més bon humor i quan ja havia guanyat la meitat de les Rambles es posava a cantar una cançó d’en Quimi que li agradava d’allò més...

Com un lliri de platja vinc net i polit,
La perruca planxada i el dentat lluent;
Ja el voldrien tenir molts, un cos com el meu.

Duc a la cartera un bitllet de cent,
Dues fotos grogues i un paper que diu:
... “aquest noi progressa adequadament”.


Els dilluns, els dimecres i els divendres, en Joni es passava les tardes bevent güisquis de garrafa als billars Salomon que hi havia en el subsol d’un edifici vell i tronat, tuguri aquest regentat per una vella xaruga desdentegada, que feia mala olor i responia al nom de Mercè. Allà, en Culleretes hi tenia els seus, diguem-ne, amics. Els mateixos pinxos que el van batejar amb aquest sobrenom que va anar lligat a la seva persona fins al seu patètic final. Diuen que a en Joni li van posar el motiu de Culleretes pel que feia un cop havia pelat les seves víctimes. Sí, a hores d’ara el lector ja deu haver endevinat que en Joni no va tenir cap més sortida a la seva vida que dedicar-se al robatori menor, estirar bosses, afanar carteres i altres delictes d’arma blanca. El problema es va fer més gros quan en Joni va sentir la imperiosa necessitat d’acabar amb les persones a les quals havia furtat. I no content amb els assassinats, en Joni, diuen, quan s’havia ben assegurat que la víctima era morta i ben morta, es treia una cullereta de la butxaca del darrera del pantaló de tergal texà i li buidava un ull. La llegenda d’en Culleretes diu que això ho feia per a rescabalar-se de la seva desgràcia de naixement, però el cert és que a en Joni mai ningú no li va veure la cullereta. Durant aquells temps, també es va fer famosa la història d’en Camablava, mite o realitat no se sap, però ara, de com va acabar en Camablava, ja ningú no en parla... En Lluís Camablava era un pobre xicot, treballador de la zona franca que segons diuen va perdre la vida a mans d’en Joni Culleretes. Alguns diuen que en aquest cas, i no
se sap ben bé per què, en Joni va fer una excepció i en comptes de buidar l’ull esquerre després de morta la víctima, va fer-ho al revés, primer li va treure l’ull i després el va pelar amb un ganivet de cuina de serreta, vell i oxidat. El cadàver d’en Camablava va aparèixer l’endemà flotant al riu. Després, als bars de la part baixa de la ciutat es formaven tertúlies per tal d’esbrinar com s’ho havia fet aquell cop en Joni. N’hi havia que defensaven la teoria del buidat d’ull previ a les punyalades. D’altres eren més conservadors i deien que en Joni havia treballat com sempre: furt, mort i cullereta. I la resta, un grupet de quatre o cinc, asseguraven que en Joni Culleretes no havia passat mai per allà...
Malgrat tot el que es pogués pensar, en Joni no era mala persona. Robava per a menjar calent els set dies de la setmana i quan n’hi sobrava, donava quatre xavos a sa mare que viva d’una pensió misèrrima perquè el seu home, en pau descansi, no l’havia arreglada gaire bé per no dir gens, i encara gràcies que el nen esquitxava de tant en tant. Llavors pesaven figues l’un al costat de l’altre, hores i hores fins que moria la tarda, i quan s’encenien els primers llums del carrer en Joni Culleretes agafava la inspiració i ple a vessar d’un feliç entussiasme místic recitava el seu Kyrieleison preferit, tot demanant a déu-nostro-senyor que el perdonés i li fes un lloc a la seva dreta o a la seva esquerra, que tant li feia...

Senyor o senyora,
Totpoderós,
No sigueu bèstia i no ens feu patir.

Si de vegades et venen ganes de blasfemar i cridar el nom del porc;
Respira fondo, no perdis el temps que és emprenyar-se amb un tros de roc.

Kyrieleison, kyrieleison

Ésser altíssim,
Ja no som joves,
Hem tingut temps per a reflexionar
I hem observat que si hi ha un conflicte
El sol guanyar el més animal.

Senyor o senyora,
Sigueu qui sigueu, feu que algún cop perdin els dolents;
Fins els guionistes ho fan al cine, així ens enreden al Cine Club.

Kyrieleison, kyrieleison

Senyor o senyora,
Totpoderós,
No sigueu bèstia i no ens feu patir.
Si sou el responsable d’aquest casino,
Ningú pot dir-nos que us n’heu sortit.


En Joni Culleretes va desaparèixer del mapa el dia de Tot Sants de l’any 19.. Sa mare li tenia preparada una sopa de ceba quan en Joni li va dir «ara torno, baixo a baix un moment a comprar tabac i pujo tot d’una». Des d’aleshores no se li ha vist més el pel. Sobre la desaparició d’en Culleretes hi ha teories de tots els colors, per donar i per vendre. N’hi ha que expliquen que en Joni va acabar amb la seva vida, però no han sabut mai explicar com. D’altres, que en Joni finalment es va colar en un gran vaixell de càrrega vermell rumb cap als mars del sud. I finalment, n’hi ha tres o quatre de convençuts que asseguren que en Joni Culleretes no ha vist mai la llum del sol, que tot just si es tracta d’una llegenda per a fer por als més menuts. Així, quan el nen o la nena fan el ronso i no es volen menjar els espinacs, la mare els avisa: acaba’t el plat o cridaré en Joni Culleretes. Diuen que és un mètode infal·lible, és a dir: i a saber: no susceptible de caure en error.


(La borrosa i breu història d'en Joni Culleretes © està dedicada a na Marga Rey i Gonell, sense el suport persistent i continuat de la qual aquesta curta narració no hauria vist mai la llum del dia. Gràcies!)

(Cal dir també que aquesta història ha sorprès l'autor en un rapte violent d'inspirada creació automàtica, que ha estat escrita a vola-ploma-vola de tal manera que l'escriba tan sols s'ha limitat a seguir les directrius que la musa li xiuxiuejava a l'orella i que tots els personatges, molts i diversos, han imposat sa pròpia existència independentment de la voluntat de l'escriptor.)

Si us ve de gust, també podeu entrar a http://www.quimiportet.com

miércoles, 18 de abril de 2007

Nelson Rodrigues escreveu...

.
Deve-se ler pouco e reler muito. Há uns poucos livros totais,
três ou quatro, que nos salvam ou que nos perdem.
É preciso relê-los, sempre e sempre, com obtusa pertinácia.
E, no entanto, o leitor se desgasta, se esvai, em milhares de livros
mais áridos do que três desertos.



Nelson Rodrigues (Recife, 1912 - Rio de Janeiro, 1980)
.

Fotografia de Xavier Plana


Per a contemplar la producció fotogràfica de
Xavier Plana, accediu a http://www.pensades.org

Hopper's NY Movie

.

Edward Hopper
New York Movie
1939
Oil on canvas32 1/4 x 40 1/8 in.
The Museum of Modern Art, New York

Hopper és el pintor dels compassos d'espera,
l'artista de la solitud serena.

Edward Hopper sempre
confereix una dignitat especial
a qualsevol escena de la vida contemporània
que, gairebé sempre, se'ns escapa.

Big Joe i la cacera de granotes

Recordes quan anàvem a caçar granotes amb Big Joe?
Quins temps aquells, te'n recordes?
Ens llevàvem d'hora, a les quatre del matí ja estàvem asseguts a la taula prenen cafè i torrades, i és que si vols anar a caçar granotes has d'esmorzar fort!
Big Joe sempre era l'últim de llevar-se. Gairebé sempre l'havia d'anar a despertar al seu llit. M'hi acostava i li deia "Big Joe! Lleva't! Ens n'anem a caçar granotes!" Si aconseguia que em sentís, aleshores es llevava depressa, es rentava la cara en aquella mena de gibrelleta alçada que feia servir de pica i venia amb nosaltres a seure a taula. Però si era el dia que tenia el son profund l'havia d'anar a cridar una i altra vegada. Un dia van arribar a ser sis cops i per culpa d'ell només en vam caçar tres, de granotes.
Per anar a caçar granotes hi has d'anar quan encara és ben fosc i la serenata, croac-croac, es troba en el seu apogeu. Llavors és fàcil, només t'has de deixar guiar per les orelles. Amb una mica de tacte i discreció les pots agafar amb la mà sense que oposin resistència.
Però si ja és massa tard i les granotes, com aquell qui diu, se n'han anat a dormir i no se'n sent ni una, llavors no hi ha gaire res a fer, ets en mans de la sort, i la sort, amic, no sempre arriba, i si arriba no sempre ho fa en el moment en què més la necessitaries.
Més d'una vegada ens vam quedar sense granotes perquè Big Joe va preferir fer més el ronso del compte. Aquells dies ja podies pregar al cel, si Big Joe volia dormir no hi havia Déu que el fes llevar.
Però sense Big Joe no hi havia caçera de granotes que valgués. Era el millor i punt. Indiscutible.
És per això que avui, que m'he recordat del vell Big, he volgut fer-te'l present amb aquest record que sempre durem a la memòria.
Big Joe, aquesta va per tu!
---
(Per a Marc Hortal i Galí.)
7 de maig de 2006

Rio de Janeiro, 10 d'agost de 2006

Rio de Janeiro... on la natura es barreja amb l'asfalt, els arbres es confonen amb els semàfors i els embusos a hora punta (més de 40 empreses d'ônibus) són d'antologia. Avui m'he enfilat per les parets tornant de la Livraria de Travessa a Ipanema cap a Botafogo, ahí es nada!

Rio de Janeiro... caipirinha i aigua de coco, la feria do chorinho (fotos) i roda de samba. Preciós concert de Marisa Monte diumenge passat...
Botafogo, el nostre camp base a casa d'una tia de la Lena, gràcies, Copacabana, Ipanema, Leblon, els morros del pão d'açucar, dels dois irmãos, la pujada de Corcovado cap al Cristo Redentor, increible vista de la ciutat, els avions passant per sota els teus ulls cap a l'aeroport Santos Dumount.

Hivern fantasma a base de 25-30 graus a l'ombra. Mar, banys atlàntics amb la il.lusió del nen petit...

Caetano (Leblon), Vinícius de Moraes (la Toca), Tom Jobim (un Jardim Botânico de somni)...

Olha que coisa mais linda
mais cheia de graça
é essa menina que vem e que passa
num doce balanço a caminho do mar

Moça do corpo dourado
do sol de Ipanema
o seu balançado é mais que um poema
é a coisa mais linda que eu ja vi passar...


Com un somni tropical, Aahh que beleza !!

Demà a primera hora de la tarda tornem a Rio Grande do Sul, aquest cop ja per quedar-nos a Cassino-Rio Grande.

Beijos,
Alfons

Osório, 2 d'agost de 2006


M'he assegut al costat de les flors, d'esquena a l'edifici de la facultat d'aquí, Osório, i he pres les notes anteriors (que no transcric), i he fumat un cigarro.

Vist des d'on esmorzem cada matí, el carrer principal d'Osório, on hi ha el Novo Hotel, fa la sensació d'una ciutat d'aquelles que es veuen a les pel.lícules yanquis del far-west. Aixó encara que la Lena digui que no. Però tampoc no cal anar tan enrrera, una ciutat petita de províncies ja faria, que, de fet, és el que és, i no és metafísica. Amb les camionetes descapotades a la part del darrera passejant amunt i avall, i turismes, i de tant en tant algun burro tirant del carro. Hi ha molt comerç aquí; sens dubte, com afirma la Lena, per al Brasil això és un exemple de ciutat pròspera. Quan cau el dia, però, i es fa fosc, pel carrer no s'hi veu ni una ànima. Diuen que exceptuant alguna part, Osório és un lloc força segur.


El menjar és bo i l'atenció atenta, valgui la redundància. Em segueixen sorprenent els àpats a quilo i la balança que mesura que no t'hagis passat del límit, que ara no recordo. Si no, et cobren com a bufet lliure, i no és gaire més car.

Sec al matí a la plaça de l'església i llegeixo aprofitant el sol. Dinar a les dotze del migdia fa quje el matí sigui curt, i la tarda passa depressa. Llevar-se tard en aquest país és perdre el dia. I si això només es tracta d'una sensació, és una sensació molt més poderosa de la que es pugui tenir a Barcelona. Peró, al nord d'Europa no passa el mateix?

Avui, el dia del seu aniversari, la Lena s'ha regalat Espelho partido d'una tal Mercè Rodoreda. Editora Planeta (gggrrrrr!!!!), bona edició no obstant. Conté el sucós pròleg.

Escric des de la biblioteca de la cidadezinha. Aquesta tarda s'hi està més tranquil.

Abans d'ahir vaig comprar dos bitllets d'avió a Rio de Janeiro. M'he arriscat amb la Varig, que passa per moments dificilíssims, ha fet fora la meitat de la plantilla i no és segur que el negoci em surti rodó. La veritat és que la Lena i jo apretem el cul i creuem els dits.

(El cap de setmana passat a Porto Alegre vam anar a veure l'exposició del centenari del poeta Mario Quintana. Al Teatro San Pedro vam anar a veure Fizileia, monóleg d'una actriu de la rede Globo. Després vam anar a ballar, beure i ballar a la sala Sg. Pepper's. Música en directe i els Stones en pantalla. Diumenge, després de perdre'ns pel barri d'Assunção, quan volíem anar a Ipanema -no confondre amb la de Rio-, vam fer cap al cine Guión a veure Transamérica. Em va sorprendre, em va agradar, molt.)

Llegit Estorbo de Chico Buarque. Cocktail de Sartre, Camus i Kafka. Noi de bona família que cau en les xarxes delictives. Perqué está fugint durant tota la novel.la, sobretot, també m'ha recordat al Handke de La por del porter davant del penalti.

Una abraçada a tots,
Alfons

L'Eupalinos de Paul Valéry


Paul Valéry, Eupalinos o l'arquitecte
Quaderns Crema. Barcelona, 1983

El text d’aquest llibre de Valéry, aparegut per primera vegada a França el 1923, vol ser una apologia de l’arquitectura i no només això, sinó que ens dóna alguns trets o idees fonamentals del que és l’art i del que és l’artista, segons l’autor.

L’escenari, el cel. Els protagonistes, l’ànima de Fedre i la de Sòcrates -i les paraules d’Eupalinos que surten per boca del primer- dialogant. Diexaré penjada la primera idea que em sembla interessant, per a reprendre-la cap al final que és quan aquesta pren el seu significat més revelador. Fedre diu: Ara ja no sóc capaç de separar la idea d’un temple de la idea de la seva construcció.

Eupalinos sovint deia, En la realització, no hi ha detalls. Aquesta frase, contradictòriament al que pot semblar, no diu res més que la realització i els detalls no són coses separades, sinó que la primera engloba la segona. Sòcrates ho palesa amb l’exemple que té més a mà, evidentment, la seva experiència com a orador, car és necessari per a ser-ne un de bo dominar “la virtut misteriosa de les modulacions imperceptibles”, tal com ho feia Eupalinos aplicant-la al seu art.

Eupalinos deia també, Cal que el meu temple mogui els homes com els mou l’ésser amat. Aquesta clamació és aprofitada per Fedre (mitjancer aquí de Valéry, així com en altres moments ho serà Sòcrates) per a refutar Plató, considerant la teoria de les Idees “massa pura per a explicar la diversitat de les Belleses”. Les Idees immutables i eternes de Plató no s’avenen a una explicació de la Bellesa que, en cada una de les seves representacions, no es separa de la vida, és a dir, del Temps, i que resta sempre oberta, i per tant, mutable. La Bellesa “res no la tanca; tot la suposa”, “res bell no es pot separar de la vida, i la vida és el que mor”. Allò que ha de meravellar i captivar l’home “és tot allò que, sense esforç, l’aixeca per sobre de la pròpia naturalesa”, tal com l’amant encisa l’amat.

Eupalinos fa distinció dels edificis entre els muts (inarticulats), els que parlen (escaients a l’articulació del llenguatge comú), i els que canten (corresponents a l’articulació del llenguatge poètic).

Eupalinos: “... m’interessa sobretot, d’obtenir d’allò que està a punt d’ésser, que acontenti, amb tota la vigoria de la novetat, les exigències raonables d’allò que ha estat”.

Valéry enceta aquí una analogia entre l’arquitectura i la música, lligada per la geometria, que acabarà amb una original teoria de les paraules i del llenguatge. La música no fa pensar en la música, ni una construcció en una altra construcció. “Bé és per això -si no t’erres- que una façana pot arribar a cantar!”, “... manllevar ben poca cosa als objectes naturals, imitar tan poc com sigui possible: vet ací allò comú a les dues arts”. I és pel seu ésser concret i abstracte alhora que s’emparenten amb les figures geomètriques, les quals no serien possibles sense el poder definitori de la paraula. De manera que, estirant el discurs, podem afirmar que el llenguatge esdevé constructor. Fent-ne una tria, Sòcrates separa les paraules en dos grups, les simples (adients al càlcul, als nombres) i les complexes (de les quals s’ocupa la poesia). És, doncs, poeta aquell qui ajusta “entre si aquestes paraules complexes com blocs irregulars, especulant sobre les ventures i les sorpreses que un arranjament pot reservar-nos”.

En aquest punt del diàleg, Sòcrates fa una narració a Fedre de com tot passejant es trobà un objecte el qual donà origen a una idea i aquesta, al seu torn, es dividí en dues: les de construir i conèixer . El treball d’un artista és si fa no fa, el contrari del temps indefinit, car “els actes desvetllats per un pensament abreugen el curs de la naturalesa”. És a dir, a la naturalesa, definida aquí com a ignorància o atzar, els hauria costat un temps inconcebible per a fer el mateix que l’artista fa en pocs dies. Però “l’artesà no pot fer res sense violar o destorbar un ordre, a causa de les forces que aplica a la matèria per a adaptar-la a la idea que vol imitar i a l’ús que preveu per a l’objecte. Així, doncs, es veu forçat a produir objectes en els quals el conjunt és sempre un grau inferior al grau de les parts”. De manera que, tal com ho adverteix Fedre, Sòcrates d’una troballa en feu un descobriment, a saber, que les creacions humanes es divideixen en dos ordres: el natural i el donat, i els actes de l’home sobre el natural i el donat (desig). Resumint, existeixen tres modes de gernació o producció: els que corresponen a la naturalesa (provinents de l’atzar i la ignorància) i els actes de l’home els quals travessen la naturalesa (violació, destorb). A diferència de la natura, que en un sol acte els engloba tots, l’home crea en dos temps: projecte (pensament) i acte (realització, que al seu torn queda separat del resultat). Així, doncs, construir vol dir crear mitjançant principis independents, tot i que aquests no són sempre tan distints com Sòcrates ha fet veure. Només cal, però, una reflexió molt senzilla per a adonar-se que l’home “distingeix tres grans coses en el Tot”: el seu cos, la seva ànima i la resta del món.

Les creacions fetes amb vista al seu cos responen al principi d’utilitat ; les que es fan amb vista a la seva ànima corresponen al principi de bellesa ; i oferint solidesa o durada a les seves obres l’home mira d’adquirir la resistència necessària perquè aquestes no s’abandonin a un probable destí efímer. Només l’arquitectura exigeix tots aquests principis i els porta al límit. L’artista que ha aconseguit això ha “trobat la manera de reunir indestriablement la necessitat i els artificis”, car els seus són “actes de l’esperit”, que no s’acontenten amb imitar la naturalesa, sinó que tan sols n’extreuen alguns trets, per a crear-ne una de nova. Aquest és el triomf de la construcció per principis independents i aquí és on pren tot el seu sentit la frase de Fedre que anunciavem al principi: Ara ja no sóc capaç de separar la idea d’un temple de la idea de la seva construcció, ço que és el mateix que dir: Ja no sóc capaç de contemplar el tot sense captar-ne al mateix temps l’harmonia de les parts, on “tot” equivaldria a “temple” i “parts”, o millor “harmonia de les parts”, equivaldria a “construcció”.

El diàleg acaba amb els planys de Sòcrates per no haver construït mai res i haver-se dedicat tot el que durà la seva vida al pensament pur, que ha decidit d’altres a actuar, però no pas a ell. “... Solament un acte ens permetrà d’atènyer el gran designi i proposar-nos la imitació d’aquell que ha fet totes les coses. Això vol dir posar-nos, de la manera més natural, en el lloc mateix de Déu”.


* * *


Transcric, per acabar, algunes de les frases que més m’han interessat i que m’han posat en sintonia amb l’autor, aquelles que extretes del seu context poden ser expressades sense perill de perdre tota la seva força.

... Tot allò de què s’ocupen els filòsofs passa entre la mirada que cau sobre un objecte i el coneixement que en resulta... per acabar sempre d’una manera prematura. (Pg. 65)

Marxeu, us atureu, torneu a marxar: és això pensar! (Pg. 102)

Quan et poses a pensar, ¿no tens la sensació que destorbes secretament alguna cosa?; i quan t’adorms, ¿no et sembla que la deixes arranjar-se com li plagui? (Pg. 104)

S. Ens cal triar entre ésser homes o esperits. L’home només és capaç d’actuar perquè pot ignorar i acontentar-se amb una petita part d’aquest coneixement que és la seva raresa particular, un coneixement una mica més gran que no caldria!
F. I, amb tot, és aquest petit excés el que ens fa homes! (Pgs.108- 109)

F. Però ell, com te deia, s’havia forjat amb lucideses totes personals...
S. Són les úniques universals... (Pg. 124)

... Sempre es pot -i amb molt de profit- mirar una obra mancada com un estat que ens acosta a la bellesa suprema. (Pg. 139)


* * *


Un llibre, Eupailinos..., preciosista, on Valery, admirador i deixeble avantatjat de Mallarmé, aconsegueix fusionar forma i matèria, per a comunicar un contingut de naturalesa estètico-ètica. Construir edificis per a construir persones, construir amb fang tal com es cus un teixit social. Art per a l’acció, art per a la convivència.

miércoles, 11 de abril de 2007

Gadamer



Hans-Georg Gadamer, La actualidad de lo bello, (1977), Paidós/I.C.E.-U.A.B.,
pensamiento contemporaneo 15, 1º edició, 1991.


El llibre es divideix en quatre capítols o seccions la primera de les quals du el nom de “La justificación del arte”. La preocupació per a trobar una legitimació a l’art no és gens nova, car ja des del socratisme es plantejà tal exigència. La història del gran art occidental, és a dir, l’art cristià medieval, la renovació humanista de l’art i la literatura grega i romana, que ens donà les pautes per a una comprensió de nosaltres mateixos, condiciona la consciència cultural que actualment vivim. I això fins al començament del segle XIX, moment de transformació en els àmbits polítics, socials i religiosos; quan Hegel donà a l’art el caràcter de passat. La tesi del màxim representant de l’idealisme alemany diu que en la cultura grega Déu i el diví eren expressament i autènticament revelats en la forma de la seva expressió artística, però en el Cristianisme això ja no és possible degut a la seva més profunda intel.lecció de la trascendència de Déu. L’art havia perdut, deguem-ho així, el seu caràcter diví, allò que feia que fos ell mateix a qui adoressim. Per tant, doncs, urgeix una justificació per a l’art. I Gadamer suggereix que aquest paper l’ha fet l’Església cristiana i la fusió humanista amb la tradició antiga: l’art cristià d’occident. Però aquesta integració ha deixat de fer-se tant palesa, l’autocomprensió col.lectiva ja no existeix, ja no en el segle XIX, és això el que se’ns diu en la tesi de Hegel. L’artista del segle passat no està en una comunitat, sinó que crea la seva pròpia, pretén que la forma i el contingut de la seva creació són els únics vertaders, posseeix una sort de consciència messiànica i se sent, ho digué Immermann, com una mena de “nou redemptor”. Abans hom parlava de l’art com a religió de la cultura, i en la modernitat es parla de l’art com a provocació de l’artista. L’art del nostre segle demana una important autocomprensió al seu públic, distant a la que s’exigeix en la centúria anterior, quan Hegel pronunciava les seves lliçons d’estètica.

La provocació moderna començà a mitjans segle XIX al decaure la validesa de la perspectiva central, una de les condicions fonamentals de les arts plàstiques dels segles anteriors, per exemple en la pintura del període del Renaixement. Quan aquesta exigència ha anat desapareixent hem estat capaços d’advertir tot l’esplendor de l’art medieval, i avui dia podem dir que la idea de que un quadre és una visió d’alguna cosa ha desaparegut totalment. Queda per a saber, encara, si les nostres expectatives objectuals en la contemplació d’una obra d’art han quedat del tot suprimides. A banda de les consideracions abans esmentades sobre el caràcter de l’artista modern, cal tenir com a principi que tant l’art antic com l’actual, els dos, són art, que l’art modern treu les seves forces i els seu impuls de l’art del passat. En aquest sentit, pensem que l’essència del que anomenem esperit és aquest poder caminar quotidianament sobre un horitzó de futur obert i de passat irrepetible. L ’ art modern, les situacions extremement modernes, ens fan pensar, posen el pensament a primera fila. I com a coetanis del seu moment ens presenten dos aspectes del mateix problema: la coincidència històrica i la nostra reflexivitat, tant de l’artista com del que no ho és. La consciència històrica ens determina d’avantmà la nostra visió i experiència de l’art, i junt amb la seva reflexivitat ( de la consciència històrica, s’entén ) pretenem un impacte immediat de l’obra d’art sobre nosaltres. La tasca de la filosofia avui, pel que fa a l’estètica, és trobar un pont que uneixi la tradició artística d’Occident amb l’art i els ideals dels creadors de l’actualitat. I de fet, no és això res nou, car la filosofia -generalitzant- tracta de trobar allò comú en el que és diferent. Un pas endavant s’ha fet al denominar senzillament amb la paraula art el que en el segle XVII encara se’n deia “belles arts”. Art igual a “belles arts”, però, què es el bell ? El bell es representa a si mateix gràcies a una qualitat d’ésser autodeterminat, que, i això és molt important, no adment la pregunta del “per què ens agrada?” El que és considerat com a bell posseeix l’aprovació general. Els antics grecs trobaven en el cosmos la màxima representació de la bellesa, del bell. La naturalesa, al haver deixat, i deixant contínuament, un espai buit perquè l’home l’ompli, dóna constantment l’oportunitat d’aparició del bell. Així, seguint un dels passatges del Fedre de Plató, veiem que la veritat -la bellesa- no l’hem d’anar a buscar en un pla ideal, sinó que, ben al contrari, hem de constatar que aquesta ve a trobar-nos aquí, en la realitat mateixa. Veure, doncs, que la funció ontològica del bell consisteix en abolir abismes, patentar la connexió existent entre el real i l’ideal.

L’estética filosòfica neix al segle XVIII amb Baumgarten i el seu concepte de cognitio sensitiva (”coneixement sensible”). Ve a donar importància al que és particular, a dir-nos que allò que es manifesta individualment és ja vàlid per si mateix, sense necessitat d’anar-nos-en al pla de l’universal per a trobar-li la vertadera significació. D’aquí podem copsar quina és la pregunta principal que es formula l’estètica filosòfica, a saber, què és el que fa, què és el que dóna a l’individual, al particular, el seu sentit propi ? Baumgarten fa una analogia entre els conceptes de rertòrica i estètica i defineix l’última com a ars pulchri cogitandi, és a dir, l’art de pensar bellament. En relació a l’home, és la seva facultat imaginativa la més important per al pensament estètic. Per la seva banda, Kant es preguntava què és allò que trobem en l’experiència del que anomenem bell que fa que sigui comunicable i no resulti ser una mera reacció subjectiva del gust personal de cadascú. Kant, en la Crítica del judici, amb l’explicació del terme satisfació desinteressada, fou el primer en defensar l’autonomia de l’estètica, lliure de finalitats pràctiques i conceptes teòrics. A la pregunta kantiana cal remetre’ns a allò que més amunt havíem dit, que el concepte de bell no admet la qüestió de per què agrada, i a méss, assenyelar que kant no només es queda en el punt de vista de la contemplació, sinó que també enfoca el tema des de la perspectiva de la creació artística, es a dir, la teoria del geni. En aquest sentit, Kant dirà que l’art és la creació de quelcom no sotmès completament a regles. La visió del particular en l’obra d’art (altre cop bandegem el pla universal) dóna lloc al concepte, el qual actua com a articulador del joc de la nostra facultat imaginativa. Però Gadamer es pregunta si d’aquesta manera, posant el concepte en el centre, com a punt de referència de l’experiència estètica, es pot resoldre la qüestió principal que planteja en La actualidad de lo bello, a saber, la unitat de la tradició de l’art clàssic i l’art modern. L’art descansa sobre fonaments antropològics. Quina és aquesta base antropològica ? Proposa un desenvolupament en els conceptes de joc, símbol i festa.


El concepte de joc és el tema de la segona secció que du el títol “El elemento lúdico del arte”. Defineix el joc humà com un impuls vital i recorda que ja Aristòtil digué que el caràcter fonamental d’allò vivent és l’automoviment. El singular del joc humà és que també hi pot incloure la raó, la facultat humana de posar-se fins, aspiracions, regles a si mateix. Important és adonar-se de l’element comunicatiu que posseeix el joc, l’anul.lació de la distància entre el que juga i el que mira el que juga, el que l’acompanya. L’espectador, a la seva manera participa en el joc i, per tant, en forma part. És precisament aquest element comunicatiu el que vincula el joc amb l’art modern, car una de les característiques fonamentals del darrer és el desig d’anul.lació entre el públic i l’obra. Bertolt Brecht i la seva intenció d’implicar els espectadors en la mateixa obra, un clar exponent. Hi ha qui pensa que d’aquesta manera s’aboleix l’obra. L’autor ho creu un error: la unitat de l’obra no significa una barrera que es posa davant l’espectador. L’art, com el joc, es basa en una sèrie de regles que formen la identitat hermenèutica. D’una altra manera, la identitat hermenèutica funda la unitat de l’obra. El joc i l’art sempre exigeixen un jugar-amb. Fins i tot el més efímer es refereix a si mateix, posseeix identitat pròpia, la qual cosa ens permet pronunciar-nos-hi, opinar al seu respecte. Una improvització, per exemple, és com una obra per a l’oient; d’aquí que després s’hi pugui referir. Allò que ha sigut, o que és, la seva identitat, és el que constitueix la identitat de l’obra.

Tota obra d’art deixa un espai a omplir per l’espectador. En pintura, Kant pensa que és la forma qui aporta la bellesa. Al veure-la, l’espectador l’ha de construir activament, és una invitació de la mateixa obra d’art en tots els camps possibles de la seva manifestació (pintura, literatura, teatre, ...), és un ser-actiu-amb. Sempre hi ha un treball de reflexió, tant si es tracta de formes tradicionals com si es tracta de formes modernes. És el desafiament que viu en la pròpia obra i que ella ens proposa.

La identitat de l’obra rau en la construcció que els espectadors en facin. Richard Hamann diria que es tracta de la significativitat pròpia de la percepció. I la paraula percepció l’entenem ara no com a experiència sensible, sinó així: “prendre’s quelcom com a vertader”. Serveix això a Gadamer per a formular l’expressió no-distinció-estètica, és a dir, no distinció entre la interpretació que nosaltres fem d’una obra i la seva identitat pròpia. Aquesta no-distinció és el que constitueix l’experiència artística, el joc d’enteniment i imaginació del qual parlava Kant en el seu judici del gust. El ser remès a l’indeterminat és el significat característic de l’obra d’art i la funció del simbòlic en el sentit que donaren Goethe i Schiller.


“El simbolismo en el arte” és el títol de la tercera secció que gira a l’entorn del concepte de símbol. Aristòfanes en el Banquet de Plató, explica una història sobre l’essència de l’amor com a trobada de les dues meitats. L’experiència del simbòlic en la particularitat de l’obra d’art és l’expressió d’un fragment de ser, que evidencia l’existència del seu complementari; promesa d’harmonia. Però aquesta promesa, expectativa indeterminada de sentit que ens aportaria un significat en l’obra, no vol dir que es realitzi efectivament; és el que Hegel pretenia fer entendre quan definia el bell de l’art com l’aparença sensible de la Idea. La convicció principal de Hegel era que el sentit de l’obra s’assolia en el concepte. Gadamer pensa que això sobrepassa perillosament l’art i ho contraposa dient que el simbòlic de l’art té el seu pilar en un irremeiable joc de contraris, de mostració i ocultació; el sentit de l’obra d’art és la seva presència. Aquesta presència de l’obra d’art1 ,que li atorga el seu sentit, és el que Walter Benjamin en deia l’aura de l’obra d’art. Així doncs, seguint a Goethe i a Schiller, el simbòlic de l’art representa el seu significat. Ens hi remet i és el seu significat. Altrament dit, l’obra d’art significa un creixement en el ser. L’essència del simbòlic és que no es refereix a una finalitat inel.lectualment abastable, sinó que el seu significat rau en si mateix. Presentant-se sempre d’improvís, indefensa, l’obra d’art no admet una comprensió pura mitjançant el concepte, no som nosaltres qui l’anem a trobar, sinó ella qui ens cerca a nosaltres, heus aquí la grandesa de l’art.

Si unim les reflexions de joc i símbol podrem extreure’n dues conclusions. Primera: que l’art, ja sigui en la seva forma tradicional com en la moderna, sempre ens exigeix un treball propi de construcció. La segona l’haurem d’entendre com un postulat universal (vàlid també per a les dues formes d’art), a saber, l’obra d’art no és una alegoria, no insinua quelcom que després hagim d’anar a buscar fora, sinó que és en ella mateixa on trobarem tot el que ens hagi de comunicar.


La festa és el terme que centra la quarta secció anomenada “El arte como fiesta”. Definim festa com un rebuig de l’aïllament, en ella tot està congregat, forma una unió, i si no és així, diem que algú s’esta excluint. La celebració d’una festa, tot i tenir les seves regles, no és una successió de moments correlatius; al celebrar una festa, la festa sempre està present, aquest és el caràcter temporal d’una festa. Expliquem-nos: distingim entre dos tipus d’experiència del temps. L’una és la quotidiana, la del temps que s’ha d’omplir -temps buit -, temps de què disposem, del qual en són els dos extrems l’avorriment i l’escarrassament. L’altre és el que Gadamer en diu el temps ple o temps propi , afí a la festa i a l’art. No és un temps que calgui omplir, sinó que al celebrar una festa, el temps està ple d’ella, el temps es torna festiu. El tipus de connexió descrita és el que es defineix com a temps propi , i el que tots coneixem per la nostra experiència vital: infantesa, joventut, maduresa, vellesa, són temps plens.

Fem el pas de l’experiència del temps de la vida a l’obra d’art. En l’obra d’art cada detall és un complement de l’altre, està unit al tot, no hi sobra ni hi falta res, gira a l’entorn d’un centre, de manera que l’obra és la finalitat en si mateixa. Així, l’obra d’art és com una unitat orgànica, una finalitat sense fi en paraules de Kant, característica que es correspon a la definició d’Aristòtil per al bell en l’art: “una cosa és bella si no se li pot posar ni treure res”. I és clar, l’obra d’art com a unitat orgànica té el seu temps propi. Tota obra d’art ens imposa el seu temps propi en el qual nosaltres hem d’aprendre a entretenir-nos-hi, car l’essència de l’experiència temporal de l’art consisteix en aquest aprenentatge.

Un dels motius fonamentals de La actualidad de lo bello, diu Gadamer, és fer-nos conscients que el que intentem en la nostra relació amb el món i la creació artística és retenir el que es fugisser, adonar-nos del que roman, de la permanència en el fugisser. El re-coneixement de quelcom bandeja el contingut de la primera coneixença i s’eleva a ideal (en el re-coneixement coneixem més i millor). Potser això a la seva culminació és la funció del símbol i del simbòlic en els llenguatges artístics. El símbol, doncs, és una tasca de construcció i l’art es basa en un joc de relació d’intercanvi.

La transmissió cultural no vol dir deixar l’antic intacte, sinó reinterpretar-lo, concebre’l novament. L’autèntica incognita que se’ns presenta en l’art és la simultaneitat de present i passat. L’art, vinculat a la festa, ha de sobrepassar alguns límits importants, tals com els privilegis culturals i les estructures comercials de la nostra societat: cal recordar que la festa és el que ens uneix a tots.

Dos exemples del que no és art, segons l’autor: L’un és el Kitsch. Es vol veure, es vol escoltar, mirar allò que ja es coneix, de manera que s’aboleix l’impacte i amb ell el joc de relació comunicativa que defineix l’art. L’altre és l’anar a veure una obra d’art amb finalitats d’experiència estètica secundàries, tals com assistir a un concert perquè hi canta aquell determinat vocalista, i d’altres en aquest mateix sentit.

“Que en el momento vacilante haya algo que permanezca. Eso es el arte de hoy, de ayer y de siempre”.

Hegel


Jean-Michel Palmier, Hegel, ensayo sobre la formación del sistema hegeliano
BREVIARIOS del Fondo de Cultura Económica, 220
1986, F. C. E., México, D. F.

Com diu el mateix Palmier abans de començar l’assaig, aquest no pretén oferir una nova visió del pensament de Hegel, sinó facilitar l’accés al seu estudi. L’autor s’emmarca dins els límits fixats per les interpretacions de Dilthey, Hearing, Lukàcs, J. Hyppolite, J. Wahl i J. D’Hondt, i practica una síntesi de la filosofia del pensador alemany a través d’algunes de les seves obres més importants. El llibre s’estructura en cinc capítols, a saber: els anys de seminari, la Fenomenologia de l’esperit, la Ciència de la lògica, la Filosofia del dret i el darrer dedicat a una esquemàtica comparació entre Hegel i Kierkegaard. Es pot dir que existeixen dues grans versions de la figura i l’obra de Hegel, aquella que hi veu una ànima inquieta i turmentada que buscava salvar-se mitjançant la religió, així Asveld; i una altra que valora sobre tot la preocupació pels problemes econòmics i polítics, així Lukàcs. Sense desestimar aquesta segona opció, sembla que Palmier es decanta per la primera d’aquestes versions i ens presenta un Hegel el desig del qual era “enganxar-se” a la vida, mirar de coincidir amb ella. En aquest sentit, el primer capítol dóna la pauta del llibre al presentar-nos el Hegel d’abans del sistema, l’autor de textos religiosos tan importants com Vida de Jesús, considerada la primera gran obra del pensador, tot i que incacabada, i L’esperit del Cristianisme i el seu destí, on s’apunten i es defineixen ja alguns dels conceptes fonamentals de l’etapa sistemàtica posterior, a saber, la “consciència dissortada”, l’”ànima bella” i l’”alienació”. És en aquest mateix període de joventut, al seminari, quan Hegel coneix dos homes que hauran d’influir decisivament en la seva vida i filosofia: Schelling i Hölderlin. Del primer, hom ha dit que Hegel en fou deixeble, però, sense poder-ho assegurar, el que sí és clar és que Hegel es valgué d’alguns dels termes del vocabulari emprat per Schelling i, mica en mica, en modificà el sentit. La seva ruptura s’esdevingué quan en la Fenomenologia de l'esperit Hegel criticà amb paraules molt dures el concepte d’Absolut de Schelling. Les relacions entre Hegel i Hölderlin no les coneixem tant, però sabem que idees tan importants com “reconciliació” i “vida” es troben en l’obra d’ambdós i que fins i tot havien projectat escriure una obra plegats. Els tres comparteixen una mateixa nostàlgia de la Grècia antiga i veuen en la Revolució Francesa, la qual idealitzen, el seu ressorgiment. Es diria que l’ideal de Hegel fou la realització de la seva unió.

“Puede decirse sin exageración que toda la Fenomenología del espíritu no es sino la descripción de las diferentes figuras de la Consciencia Desdichada y del camino que conduce a su reconciliación con el mundo, hasta el Saber Absoluto.” (Pg. 29) Palmier fa en el segon capítol del seu llibre una síntesi de l’obra més important de Hegel, la qual s’estructura en tres parts, a saber, l’Esperit Subjectiu, l’Esperit Objectiu i finalment l’Esperit Absolut. En la primera part, la consciència individual recorre totes les etapes que han significat el despertar de la humanitat a la consciència de si, diferent de la naturalesa. En la segona, aquesta consciència assimila tota la història de la cultura universal i de les experiències històriques de l’home. La tercera i darrera part del cicle, determina les diferents maneres de captar aquesta mateixa veritat. L’Esperit Subjectiu tracta de descriure el pas de la consciència a l’autoconsciència mitjançant la famosa dialèctica de l’amo i l’esclau. En el curs d’aquesta recerca, la consciència dissortada s’adonarà que no pot trobar satisfació en cap objecte, sinó en una altra consciència vivent, que és la que li revelerà la seva veritat, a través del desig i de l’odi. L’Esperit Objectiu vol descriure el pas de la consciència individual a la consciència col.lectiva o universal, el pas del “jo (que) és el nosaltres i el nosaltres (que és) el jo”. Les experiències de les quals aquí es parla ja no seran només les d’un individu, sinó les de tota l’espècie; no es tracta ja de la consciència individual, sinó de la humanitat i l’Esperit s’encarna en la vida ètica d’un poble. Els moments històrics més importants i que marquen crisis en l’evolució de la humanitat són: la Ciutat grega, l’Imperi Romà, la Revolució Francesa i l’Estat Alemany. En l’Esperit Absolut no es tracta ja de recórrer el camí, sinó de la manera d’haver-lo recorregut. El que es busca aquí és la presa de consciència mateixa d’aquest Absolut, a través dels seus diferents tipus de revelació: l’Art, la Religió i la Filosofia. Arribats a la Filosofia, tota representació resulta inútil i l’Esperit pot comprendre’s a si mateix en la seva transparència. Al final d’aquest segon capítol, Palmier esbossa la significació històrica que per a Marx tingué la Fenomenologia de l’esperit.

“Puede decirse que la Lógica es la ciencia del ser, en tanto que éste adviene y se comprende por medio de la consciencia humana.” (Pg. 75) En el tercer capítol, l’autor descriu les línies generals de la Ciència de la lògica, entesa no tant com una part del sistema, sinó com la forma de tot l’edifici: una teoria del pensament pur i una teoria de l’ésser. També es pot dir que la Lògica és un gran intent de provar l’existència de Déu. En aquest sentit, Palmier subscriu les paraules de Feuerbach en les seves Tesis provisionals per a la reforma de la filosofia: “La Lógica de Hegel es la teología llevada a la razón y al presente, la teología hecha lógica.” (§ 12 de l’obra citada.) (Pg. 77)

La Filosofia del dret correspon al desenvolupament i a l’elucidació de l’Esperit Objectiu. Diu el mateix Hegel que l’objectiu d’aquesta obra no és explicar el que ha de ser l’Estat, sinó com ha de reconèixer l’individu a l’Estat. S’estructura en tres parts, a saber: el “dret abstracte”, on Hegel repassa i redefineix conceptes tals com la propietat, el contracte i la injustícia; la “moralitat”, on Hegel fa una crítica sobre tot de la moral kantiana, però també de Pascal, Jacobi i Schlegel; i la “raó” o “moral realitzada”, que és la reconciliació de l’individu amb la societat. El deure de l’home ja no s’entén com un imperatiu formal i buit, sinó com la participació en la substància moral, és a dir, en les institucions i en la vida pública on l’individu ha de reconèixer-se i orientar-se. (Pgs. 93-94) Els tres moments principals de la substància ètica són la Família, la Societat civil i l’Estat. El concepte d’Estat és la clau de la Filosofia del dret i un dels punts més conflictius de tota la filosofia de Hegel. Per a Hegel, l’Estat és la realitat eficaç de la idea, la moral realitzada, per oposició a la societat que no va més enllà de la possibilitat buida i formal de la llibertat. L’Estat expressa la voluntat del poble, és la Raó en si i per a si, i representa la racionalitat més elevada que pugui esperar-se de la vida social. En l’Estat la llibertat s’eleva fins a la seva màxima expressió, car només ell pot garantitzar-la i donar-li un sentit autèntic. (Pg. 95) Al final del capítol Palmier torna a Karl Marx i esbossa la crítica d’aquest a la concepció hegeliana de l’Estat.

Kierkegaard no coneixia cap dels textos anteriors a la Fenomenologia de l’esperit. És per això, diu Palmier ja al principi del seu llibre, anticipant-ne el final, que: “Todas las críticas de Kierkegaard se basan en una verdadera incomprensión del sentido de la filosofía hegeliana, y la antítesis entre Hegel i Kierkegaard, lugar común de lo que hoy se denomina filosofía de la existencia, no resiste una seria lectura de esos textos de juventud. Ciertamente, la figura del pensador de Berlín poco a poco ha opacado al alma inquieta e indómita que revelan esos textos.” (Pg. 17) No obstant això, el danès formulà importants i encertades objeccions al pensament de l’alemany. Així, Hegel no va comprendre mai que la categoria del religiós és més elevada que tota determinació ètica o que la mort de Crist no pot ser reduïda a un “Divendres Sant especulatiu”. Allò que mor en la interpretació hegeliana és tota la dimensió tràgica a la qual s’adhereix apassionadament Kierkegaard. En d’altres ocasions, els dos pensadors compartiren una mateixa postura: en la crítica de la ironia romàntica a la qual hi oposaren la socràtica, o en una mateixa visió del Faust de Goethe. En definitiva, Hegel mostrà la formació i l’abolició de la consciència dissortada. En canvi, Kierkegaard va voler eternitzar-la i erigir-la com a sentit de tota existència.
Pàgina del Fondo de Cultura Económica: http://www.fcear.com/fsfondo.htm

Piet Mondrian writes on the wall

Mentre obsrvava els quadres a l'antiga Tate de Millbank, em vaig anar entretnint a copiar en una petita llibreta els pensaments d'aquest pintor, nascut a Holanda el 1872 i mort a Nordamèrica el 1944, que penjaven de les parets blanques.


MONDRIAN: NATURE TO ABSTRACTION
(Tate Gallery, London, 26 July-30 November 1997)


“If art has to be a living reality for modern man, it has to be a pure expression of the new conciousness of the age.” (1917)





“Art advances where religion once led. Religion’s basic content was to transform the natural; in practice, however, religion always sought to harmonize man with nature, that is, with untransformed nature. Likewise, in general, Theosophy and Anthroposophy -although they already knew the basic symbol of equivalence- could never achieve the experience of equivalence relationship, achieve real, fully human harmony.
Art, on the other hand, sought this in practice.” (1922)



“Neo-Plastic writing speaks of harmony, equilibrium, pure plastic, the abstract, the universal, etc. This had caused much misunderstanding and will cause more. When Neo-Plasticism speaks of the abstract, it does not mean the indefinite or vague, but on the contrary the most determined, the most real. When it speaks of equilibrated relationship, Neo-Plasticism does not mean symmetry but constant contrast.” (1924)




“What do I want to express in my work? Nothing rather than what every artist seeks: to express harmony through the equivalence of relationships of lines, colours, and planes. But only in the clearest strong way.” (1934)




“Everybody knows that painting and sculpture are concerned with the expression of the essence of art and not with the representation that cloaks it. But not everyone is convinced that the essence can be plastically expressed exclusively through lines, colours, form, and their mutual relationships, thus without any particular subject matter.” (1938).

Podeu entrar a www.pietmondrian.net

John Giorno: Tres Poemes


DIGUES NO ALS VALORS FAMILIARS

Si un dia qualsevol
camines pel carrer
i et trobes
un cotxe fúnebre
amb un taüt
seguit per
un cotxe amb les flors
i llemosins,
saps que el dia
promet,
que els teus plans
sortiran bé;
però si qualsevol dia
et trobes uns nuvis
i una festa de noces,
compte,
vigila,
podria ser un mal senyal.

Digues no
als valors familiars
i no perdis
el dia de feina

Les drogues
són substàncies
sagrades,
i algunes drogues
són molt sagrades,
si us plau, lloa-les
com a alliberadores
de la ment.

Per a alguns,
el tabac
és una substància sagrada,
i encara que hagis
deixat de fumar,
sigues respectuós amb els altres.

L'alcohol
és fantàstic,
celebrem
les glorioses qualitats
de mamar,
m'ho
vaig passar bé amb tu.

Fes-ho
no
deixis de fer-ho
fes-ho

Els fonamentalistes
cristians,
i els fonamentalistes
en general,
són com virus,
que ens van matant,
multiplicant-se
i mutant,
i que ens estan destruint,
ara bé,
un virus,
per combatre'l,
has de donar-li
una forta medicació.

Qui compra?
bon àcid,
estic volant,
lliscant
i relliscant,
xuclant
i copejant,
m'estic enfonsant,
sucant
i gotejant
i ejaculant
dins teu;
mai no passis
a càmera ràpida
una correguda;
llet, llet,
llimonada,
a la cantonada
on fan la xocolata;
m'encanta mirar-te
la cara
quan pateixes.

Fes-ho
amb qui
vulguis,
el que
vulguis
tant de temps com vulguis,
a qualsevol lloc,
a qualsevol lloc,
quan sigui possible
i intenta ser prudent;
en una situació
en què
t'has de deixar anar
del tot
més enllà de l'imaginable.

Gola amb gust de cony
i gebre de cigarreta,
aquell terra
faria malbé
una mopa,
és la reina
de l'èxtasi;
llum
al cor,
que puja
als teus ulls
per un canal cristal.lí
i surt
pescant
el món amb compassió.

Digues
que
no
als valors
familiars

No hem de dir No
als valors familiars,
perquè no pensem
mai en ells;
si,
fes-ho,
si, fes
l'amor
i compadeix-te.



LA MORT DE WILLIAM BURROUGHS


En William va morir el dos d'agost de 1997, un
dissabte a les 6.30 de la tarda a causa de les
complicacions d'un fort atac de cor que havia tingut el dia abans. Tenia 83 anys. Era amb William Burroughs quan va morir, i va ser un dels millors moments que vaig passar amb ell.

Fent pràctiques de meditació budista tibetana Nyingma, vaig absorbir la consciència d' en William al meu cor. Era com una llum blanca i brillant, encegadora però suau, buida. La seva consciència em travessava. Un discret estel fugaç em va arribar al cor, va pujar pel canal central i em va sortir per sobre del cap en direcció a un camp pur de gran claredat i èxtasi. Va ser molt colpidor: William Burroughs descansant amb
gran equanimitat, i la vasta nuesa d'una ment amb la
saviesa primordial.

M'estava a casa d'en William, fent les meves
pràctiques de meditació intentant mantenir-lo en bones
condicions i d'esvair qualsevol obstacle que se li
pogués presentar en aquell precís moment del Bardo.
Era el moment de fer-ho per ell.

QUÈ HI HAVIA AL TAÜT AMB EL COS DE WILLIAM BURROUGHS

Cap a les 10 del matí del dimarts, sis d'agost de
1997, James Grauerholz i Ira Silverberg es van
presentar a casa d'en William per recollir la roba amb
què el director de la funerària havia de vestir el
cadàver. La roba, la tenia en un armari de la meva
habitació. I vam recollir el objectes que anirien dins
del ta¸t i la tomba d'en William, que l'acompanyarien
en el seu viatge a l'altre món.

La seva pistola preferida, una 38 especial de canó
curt, carregada amb les cinc bales. Ell l'anomenava
"La Xata". Posar-la va ser idea meva. "…s molt
important !". En William sempre deia que en cap
situació un no va mai prou ben armat. Era la seva
preferida d'una col.lecció amb més de 80 pistoles de
les millors del món. De dia la duia sovint penjada al
cinturó, i totes les nits, durant quinze anys, dormia
amb ella sota els llençols, completament carregada, al
costat dret.

Un barret gris. Sempre en duia un quan sortia. Volíem
que la seva consciència se sentís còmoda del tot,
morta.

El seu bastó preferit, un bastó recte de noguer blanc
amb acabats de palissandre.

Una jaqueta esportiva, negra, tenyida de verd fosc.

Vam regirar tot l'armari i era la millor d'entre
aquella roba tronada que encara desprenia la seva olor
dolça.

Uns texans blaus, els que menys havia dut eren els
únics que estaven nets.

Un mocador vermell. Sempre en portava un a la
butxaca del darrera.

Uns boxers i uns mitjons.

Unes sabates negres. Les que duia quan actuava. Vaig
pensar en les marrons, les que portava sempre, perquè
eren còmodes. En James Graverholz va insistir: - Hi ha
una vella dita a la CIA que diu, quan t'assignen un
cas nou et sents com un nen amb sabates noves.

Una camisa blanca. L'havíem comprada en una botiga de
roba per a home el 1981 a Beverly Hills, durant el
tour de The Red Night. Era la seva millor camisa,
totes les altres estaven una mica gastades, i tot i
que li havia quedat petita, com que havia perdut pes
vam pensar que li aniria bé. En James va dir : - Però
que no li tallen la camisa per darrera.

Una corbata blava, pintada a mà per en William.

Una armilla del Marroc, de vellut verd amb un ribet de
brocat daurat que li havia donat Brion Gysin, feia 25
anys.

Al trau de la solapa, la insígnia del Commandeur
Des Arts et Lettres del govern francès i la insígnia
de l'Acadèmia Americana de les Arts i les Lletres,
distincions que en William apreciava molt.

Una moneda d'or a la butxaca dels pantalons. Una peça
d'or de cinc dòlars amb la cara d'un indi del segle
XIX que simbolitza la riquesa. En William tindria prou
diners per pagar-se el viatge a l'altre món.

Les ulleres a la butxaca de la camisa.

Un bolígraf dels que sempre feia servir. "Era tot un
escriptor!" i escrivia a raig.

Un porro d'herba molt bona.

Heroïna. Abans del funeral, Grant Hart va posar
d'amagat a la butxaca d'en William una paperina petita
i blanca. - Ningú el detindrà - va dir en Grant. En
William enjoiat amb tots els adorns, viatjava a
l'altre món.

Li vaig fer un petó. Un LP antic de nosaltres dos,
de 1975, es deia Biting Off The Tongue Of A Corpse. El
vaig besar als llavis, però no ho vaig fer. I ho
hauria d'haver fet.


UN DIMONI EN ELS DETALLS
Per a William Burroughs, Allen Gisberg, Brion
Gysin i alguns altres

Hi havia una vegada
uns
amics
que
s'estimaven molt,
i van fer la promesa
d'estar junts
fins que tots
assolissin
la saviesa
i vida
rere vida,
i naixement
rere naixement,
amb
la pràctica
van comprendre
el buit
absolut de la
veritable natura
de la ment.

Eren tan
feliços
i plens d'alegria
que van començar
a ballar
i a ballar
i van ballar
i ballar,
se sentien tan feliços
amb el reconeixement
sobtat
de la buidor
i la compassió,
que van continuar
ballant,
ballant
i ballant
i ballant es van treure
tota la carn
i la pell,
fins que
no els va quedar
res més
que els ossos
i van continuar ballant
en els ossos,
esquelets
ballarins,
esquelets ballarins,

calaveres
pelades
i dits
que s'acceleren,
dents
que somriuen
i forats
amb ulls oberts de bat a bat
phymas
que llisquen
i canyelles
que es trenquen
i columnes vertebrals
que donen voltes
i brillen,
costelles
que criden
i mandíbules
que canten,
pelvis
que es cargolen,
ossos
que tremolen
i ossos
que es sacsegen;
vull
saltar
dins del teu cor,
aniré
al teu cor
des d'aquí.

Quan fa massa calor
per sentir-se bé
i no pots aconseguir
gelats de con,
màcula
no pecat,
per treure't
la pell
i ballar al voltant
dels teus ossos
màcula no pecat,
per treure't la pell
i ballar al voltant
dels teus propis ossos.

Vas generar
prou
compassió
per omplir el món,
i ara ve,
vosaltres,
descanseu en
gran equanimitat,
heu aconseguit
gran claredat
i gran felicitat,
i la vasta
nuesa
d'una ment amb la saviesa
Pura i Primordial.

Però els nostres amics
no eren
del tot,
absolutament
éssers il.lustrats;
i a vegades,
cent mil anys,
en un dels
fabulosos
móns de Déu
o en un dels cels
més alts,
és un any aquí,
o un parell d'anys
en el nostre,
i amb això
ja n'hi ha prou.

Ara,
en aquest precís moment,
les seves consciències
estan aterrides,
les campanes
de l'infern,
les campanes de l'infern,
les campanes de l'infern,
t'han tallat
el cap,
i se't caguen
coll avall,
el pijor
passa
en aquest moment,
el pitjor de tot,
està passant
ara,
la vida continua.


© John Giorno

Traducció: Gisela Angulo, Carme Sedó, Albert Farré,
Neus Flores, Ignasi Juliachs, Marta Lecumberri,
Montserrat Majó, Mar Martínez, Ana Pombo, Domènech
Ribes, Alfons Salellas i Laura Valentí. (Coordinada
per Melcion Mateu i Adrover).

Any 2000 a http://www.barcelonareview.com

biografia
JOHN GIORNO

És una de les figures més influents dins el món de la interpretació i la poesia contemporànies. Ha elevat la lectura poètica al rang d'art culte.
Un dels seus llibres més recents, You Got To Burn To Shine (Serpent's Tail, 1994), és una recopilació de la seva poesia política, sexual i intensament rítmica. El llibre recull també algunes memòries íntimes i commovedores, com la de la seva relació amb Andy Warhol -Giorno va ser l'estrella de la primera pel·lícula de Warhol, Sleep (1963)-; l'encontre sexual secret amb Keith Haring i els seus pensaments sobre la interpretació de la mort a l'època de la SIDA segons el budisme tibetà.
El 1965, Giorno va fundar Giorno Poetry Systems amb la finalitat de perfeccionar les maneres d'emprar la tecnologia en la creació de poemes i en la transmissió de la poesia al públic. Ha produït 40 LP's, entre els quals l'antologia sonora sobre Polyphonix 1, a més de cd's, nombrosos cassettes, vídeopaks, pel·lícules i vídeos de poesia.
El 1984 va posar en marxa l'AIDS Treatment Project (Projecte per al Tractament de la SIDA), adreçat a l'ajuda de les persones malaltes de SIDA.

martes, 10 de abril de 2007

Escultura de Joan Fernández

Detall de l'escultura Anagrama del Espacio I
de Joan Fernández
















Alabastre de Serral 50 x 35 x 40 cm

Entreu a http://joanforomi.blogspot.com/
per a la resta de la seva work in progress.

Art Postal (Fabiane Pianowski)

EL ARTE POSTAL EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO: EUGENIO DITTBORN Y PAULO BRUSCKY

FABIANE PIANOWSKI
Barcelona, Junio de 2006

Introducción

Las formas del arte contemporáneo que reflexionan sobre lo político en un nivel social fragmentado o «molecular», se pueden entender a través del concepto de «micropolítica» desarrollado por Giles Deleuze y Felix Guattari (1997) y por Paul Ardenne (2002). En el presente ensayo, el arte postal se comprende como una práctica artística contemporánea y, por lo tanto, se analiza bajo la óptica «micropolítica».

Inicialmente, se presenta un histórico de esta manifestación artística en el contexto global y, específicamente, en el latinoamericano. Después, se explica el arte postal y su funcionamiento a través de los conceptos de «eternal network» de Robert Filliou (1963), «micropolítica» y «rizoma» de Deleuze y Guattari (1997) y «no-lugar» de Marc Augé (1994). Finalmente, se relacionan dos artistas contemporáneos, Eugenio Dittborn y Paulo Bruscky, que en su actual producción tienen una contundente relación con esta manifestación artística.


Breve histórico del arte postal

Los integrantes del Fluxus fueron los impulsores de la creación del arte postal. El año 1962 es considerado el momento formal de su surgimiento, cuando el artista neodadaísta americano Ray Johnson (1927-1995) crea su "New York Correspondance School of Art". No obstante, antes de este hecho, muchos artistas ya utilizaban el medio postal en sus producciones para intercambiar creaciones y experiencias artísticas, estableciendo así diálogos sin fronteras. Las experiencias de los futuristas, dadaístas, surrealistas, artistas pop, neodadaístas, neorrealistas y conceptualistas están entre los antecedentes históricos de esta forma de comunicación artística. Artistas postales ocasionales, segun Campal (1997), fueron celebridades como Pablo Picasso (1881-1973), Henri Matisse (1869-1954), Marcel Duchamp (1887-1968), Kurt Schwitters (1887-1948), Max Ernst (1891- 976) y Francis Picabia (1879-1953).

La única y notable diferencia que Campal (op.cit.) considera en el estado de las cosas antes y después de la iniciativa de Ray Johnson es que, hasta la normalización del nuevo vehículo de expresión, los correos eran utilizados de manera esporádica por los artistas plásticos.
Hoy, sin embargo, el arte postal cuenta no solo con artistas plásticos, sino también con poetas, músicos, arquitectos, fotógrafos - conocidos o no -, que encontraron en ese medio una manera particular y especial de expresión.

La creación del arte postal se debe a distintos motivos, entre los cuales están, según Guy Bleus (2001): el descontento con la política del arte y con las galerías "importantes"; la necesidad de ampliar la función artística del creador, formando parte de proyectos internacionales y publicaciones y participando en exposiciones sin comisarios y sin muchas exigencias. Para el artista postal, el arte es, sobretodo, un producto de comunicación y no una mercancía. Como resultado, crea su propio lenguaje, anteponiéndose a los medios de comunicación de masa. Se caracteriza por ser una manera rápida y amplia de difusión artística. La facilidad de su producción, almacenamiento y consumo, hacen del arte postal una manifestación artística donde su modo de hacer es cotidiano y está al alcance de cualquiera.


Aquest treball segueix a l'adreça http://revista.escaner.cl/node/19
També resulta interessant donar un cop d'ull al blog personal de l'autora http://sardasnafabi.blogspot.com/

Cecília Meireles

O amor, em todas as
suas formas, é a força
poderosa e duradoura
que dá sentido real a
todas as vidas.
O respeito mútuo, um
respeito sem fingimentos
e sem rotinas, um respeito
bem intencionado, que todos
os dias se ilumine de
argumentos novos e todos
os dias se sente pequeno
diante da sua aspiração,
poderá servir de base,
dentro da obra educacional,
a um movimento de
resultados eficientes,
no problema urgentíssimo
da salvação do mundo pela
garantia unânime da paz.


Cecília Meireles (Rio de Janeiro, 1907-1965)
http://www.releituras.com/

lunes, 9 de abril de 2007

Pascal: el temps i la felicitat

Nunca permanecemos en el tiempo presente. Anticipamos el porvenir como si fuese demasiado lento en llegar, como para acelerar su curso; o recordamos el pasado para detenerlo, como si fuese demasiado ligero; somos tan imprudentes que vagamos por tiempos que no son nuestros, y no pensamos en el único que nos pertenece; y tan vanos que pensamos en los que no son nada, y dejamos escapar sin reflexión el único que existe. Porque de ordinario el presente nos hiere, lo ocultamos a nuestra vista porque nos aflige; y si nos es agradable lamentamos ver cómo se nos escapa. Tratamos de sujetarlo por el futuro, y creemos disponer de las cosas que no están en nuestras manos, pensando en un tiempo en el que no tenemos ninguna certeza de llegar.

Que cada cual examine sus pensamientos, y verá cómo están todos ocupados en el pasado o en el porvenir. Casi no pensamos en el presente; y si pensamos en él es para tener luces respecto al porvenir. El presente no es nunca nuestro fin: el pasado y el presente son nuestros medios; solamente el porvenir es nuestro fin. Por eso nunca vivimos, sino que esperamos vivir; y como siempre nos disponemos a ser felices, es inevitable que no lo seamos jamás.



(Blaise Pascal, Pensamientos, Ed. Planeta 1986, trad. de Carlos Pujol. Cap. II Miseria del hombre, apt. Contradicciones, pensament nº 168)

El doble ús del martell (Nietzsche / Cioran)


“Aquest món és la voluntat de poder”. Què vol dir Nietzsche quan escriu, quan dicta, aquesta sentència? Nietzsche no imagina el món com l’aparença d’una unitat metafísica que el transcendeix. La voluntat de poder no existeix en un estat de transcendència. El món, l’univers, és per a Nietzsche una unitat, un esdevenir, i tot i que pugui ser dit que aquesta voluntat constitueix per al filòsof la realitat interna, la voluntat de poder només existeix en les seves manifestacions. Per a Nietzsche el món no és una il.lusió. De manera que la teoria nietzscheana de la voluntat de poder, més que una tesis metafísica a priori , és una hipòtesi empírica radical.

En Nietzsche l’instint d’autoconservació és només una conseqüència, altrament dit, una de les formes -es diria la més bàsica- que pren la voluntat de poder.

L’objectiu del coneixement no és copsar la veritat absoluta en si mateixa, la constitució íntima de les coses o el sentit íntim de l’univers, sinó el de controlar la realitat mateixa en la qual ens movem. Una activitat així concebuda és una manifestació de la voluntat de poder. Nietzsche descriu la ciència com la transformació de la naturalesa amb el propòsit de governar-la.

La realitat és un esdevenir que transformem en ser, imposant normes estables al seu flux.

El coneixement és constant interpretació que mai no acaba. El concepte de veritat absoluta és una invenció dels filòsofs, insatisfets del món de l’esdevenir i que anhelen el món confortable del ser. “La verdad es ese género de error sin el cual un determinado tipo de seres vivos no podria vivir. La valoración de la vida es, en definitiva, lo más importante.”

Parèntesi escèptic:

LA IMPOSIBLE VERDAD

¿Cuándo puede comenzar nuestra felicidad? Cuando tengamos la certeza de que la verdad no puede existir. Todas las modalidades de salvación son posibles a partir de entonces, incluso la salvación gracias a la nada. A quien no cree en la imposibilidad de la verdad, o que no se regocija de ella, sólo le queda un camino de salvación, el cual, por lo demás, nunca encontrará. (Cioran)


Nietzsche denuncia la mitologia filosòfica que subjau en el llenguatge. Com dirà més tard Cioran, tota paraula amaga un prejudici. El concepte redueix allò pensat presentant-lo més simple del que realment és. Estableix una divisió entre les coses, les fa indivisibles i existents per elles mateixes.

Veritats-ficcions-interpretacions-perspectives. Totes les veritats són ficcions que ens serveixen per a interpretar la realitat. Al seu torn, tota interpretació esdevé perspectiva amb la qual hom pretén intervenir sobre el futur. Podria parlar-se d’una -simple?- teoria funcional de la veritat. Parafrasejant Nietzsche: el filòsof que interpreta el món com l’aparença d’un Absolut que transcendeix el canvi i és l’únic “realment real”, adopta una perspectiva basada en una valoració negativa del futur del món. Aquesta actitud mostra, al mateix temps, quin tipus d’home és.

Mentre en Schopenhauer la relació entre voluntat i aparença és la següent: voluntat = unitat; aparença = multiplicitat; Nietzsche introdueix la multiplicitat en la voluntat. Fa servir el concepte de força que permet elaborar una filosofia vertaderament pluralista i defineix la vida com un procés constant d’afirmacions de força en el qual els diferents implicats es desenvolupen desigualment. Així, la vida ha transcorregut al llarg de la història sota l’esquema de dominant (F) - dominat (F’), ja es tracti de la relació entre individus o entre pobles, ...

La voluntat de poder significa la reinversió de l’ideal ascètic. Portar la vida al seu estat anterior a l’aparició de la filosofia, xifrant el seu inici en Plató i el platonisme. Retorn a la innocència: la vida no ha de donar raó de si mateixa. Per tant, la voluntat de poder significa viure i viure més. El missatge de Nietzsche pot entendre’s com universalment alliberat: recuperació de la voluntat de poder per a la vida en general, sense la distinció d’amos i esclaus. Nietzsche sempre ha criticat l’ideal ascètic i el de la metafísica. Ara, però, sembla com si la restaurés, la metafísica: els homes, executors de la voluntat de poder.

*

La teoria de l’etern retorn expressa la idea de la infinitud del món, de l’eternitat en el món de l’esdevenir. Si eliminem la idea de final, aleshores no ens queda més que l’etern retorn. El món, d’aquesta manera, és concebut com a conjunts que es repeteixen eternament, moviment de seccions finites que es van repetint, encarnacions de la voluntat de poder en situacions canviants que es produeixen en un procés constant, però que va tornant successivament. Ja no hi ha cap present sotmès a un futur. Si només hi ha l’etern retorn, cada moment és l’eternitat, cada moment acusa el pes de la seva eternitat. Això implica una reiterada afirmació del ser. Efectivament, enfront Schopenhauer i el seu “no” a la vida, Nietzsche amb la seva teoria esgrimeix un “sí” radical. L’energia del saber i la força obliga, segons Nietzsche, a la creença en l’etern retorn: és la més científica de totes les hipòtesis possibles. Una tal afirmació diu: “tot és perfecte, diví, etern”. Implicitament, doncs, hi ha aquí un rebuig del concepte de progrés històric, tot i que Nietzsche adoptà una postura ambigua en aquest sentit ... com en tants d’altres. (Nietzsche fou un dels esperits més ambigus i contradictoris que hagin existit mai en la història de la filosofia, d’aquí la seva força, per això ens segueix seduint.) No hi ha més que pluralitat de fins particulars, per tant, no hi ha camí moral superior, ni l’augment de l’amor i de l’harmonia entre els éssers. Què s’ha superat? El que s’ha superat és el Déu moral. Però, té sentit un Déu més enllà del bé i del mal?

D’acord amb la teoria de l’etern retorn, l’instant podria ésser concebut com segueix: Res no pot ser més perfecte del que és. Malgrat totes les anomalies i totes les deformacions, la cosa és perfecte en cadascun dels seus estats; i si algú pretengués millorar-la o empitjorar-la, l’únic que aconseguiria seria crear-ne una de nova. Ara hom pot provar de llegir “instant” allà on hi diu “cosa”.

No hi ha altra manera de pensar el món sense final i sense sentit que pensar-lo com a eternament retornat, és a dir, com a identitat transcíclica -només pensable, creible, mai constatable- del joc plural de voluntats de poder. És l’esdevenir innocent, autènticament alliberat de tota submissió a una totalitat que redueix inevitablement el sentit i el valor de la pluralitat realment existent. És la idea del món concebut com a força que no augmenta ni disminueix, sinó que simplement es transforma. En Nietzsche l’atzar no és el contrari de la necessitat, sinó de la finalitat. La condició general del món, diu el filòsof, és, per a tota l’eternitat, el caos, no per l’absència d’una necessitat, sinó per una manca d’ordre, d’estructura, de forma, de bellesa, de saviesa, ...

Tot retorn és l’aproximació extrema del món de l’esdevenir al món del ser, aquest és el grau més alt al qual arriva la meditació nietzscheana. L’esdevenir, dins el cicle, s’origina en la lluita imparable de les voluntats de poder que busquen més poder. Al seu torn, aquest esdevenir es repeteix, idèntic a si mateix, eternament, innocentment. S’ha d’invalidar, per tant, la hipòtesi d’una eficàcia creadora transcendent (Plató, cristianisme), la d’un monisme panteïsta com a realització immanent de Déu en el món (Spinoza, Hegel), i la d’una essència universal que fa de la pluralitat individual una mera aparença (Schopenhauer). La consumació del nihilisme coincideix amb la tasca per a la qual Nietzsche es creia destinat: “imponer a una fuerza finita y determinada como es la del mundo, la milagrosa capacidad de una nueva configuración infinita de sus formas y de sus situaciones.” Idea de l’etern retorn: ese “gran pensamiento de la selección que dará a muchos el derecho a suprimirse”. Vols que la teva vida, igual i idèntica, es repeteixi infinites vegades, eternament?

*

Nietzsche redueix platonisme i cristianisme al mateix i els defineix com l’afirmació del més enllà, que no és sinó l’altra cara d’una negació del terrenal. Aquesta negació de la realitat mundana de l’home, que Nietzsche pensa com a malaltia, apareix amb aparença d’afirmació dels valors i afirmació del no-res (en tant que els valors són afirmació del més enllà, és afirmació del no-res). Això Nietzsche ho anomena nihilisme, entès aquí com alienació.

El no-res que avança és un procés que s’instal.la a occident i comporta la debilitació de la voluntat. Ambdós van intimament lligats.

La segona accepció del concepte “nihilisme” ve donada per la destrucció dels valors cristians en els quals l’home ha cregut i s’ha recolzat fins ara. Aleshores, diu Nietzsche, l’home està exposat al nihilisme. Ara bé, aquest nihilisme pot adoptar dues formes, una de passiva i una altra d’activa. La primera consisteix en una acceptació resignada d’aquesta manca de valors i de sentit de la vida. La segona en la destrucció voluntària d’aquests valors antics i enganyosos en els quals abans es creia. Nietzsche profetitza l’adveniment d’aquest segon tipus de nihilisme proclamant l’immediat sorgiment de gurres com mai no les ha vist cap home. Sabem tots que la història li ha donat la raó. Això serà la gran política , la política a gran escala, va dir el profeta.
Segons Nietzsche, l’adveniment del nihilisme és inevitable. Significarà la caiguda de la civilització cristiana. Al mateix temps, s’obrirà un nou horitzó cap a la transformació de tots els valors, cap al naixement d’un tipus superior d’home.

*

És imprevisible saber ara com finalment Nietzsche haurà passat a la història, què n’haurà quedat d’ell, perquè de moment em sembla que encara no hi ha prou perspectiva. Sigui això bo o dolent, vivim en un món immensament influït per l’autor de l’Així parlà Zaratustra, i són encara massa coses les que ens fan pensar en ell i seguir gratant en la seva obra com per a poder reduir la seva magnitud a una idea precisa. En aquest sentit, em sembla agosarat allò que diu Fernando Savater en un llibre dedicat al solitari de Sils-Maria: “no hay necesidad auténtica de él, no responde en modo alguno al progreso de la ciencia y la cultura con el que avanzamos. Esto es muy cierto y podríamos aún decir más, decir que Nietzsche es en buena medida, una opción contra la cultura y la ciencia y, ciertamente, una opción contra el progreso. Y podemos añadir, además, que en esto y no en otra cosa radica su importancia.”

El que queda clar per a nosaltres, homes i dones de la terra que vivim el final del segle XX, és que Nietzsche fou important com a mínim en una cosa, a saber: dinamità els valors en els quals hom havia cregut des de feia més de dos mil anys i n’assajà la seva transformació. Fou el primer en prendre’s la moral com a problema: “Lo que los filósofos llamaban `fundamentación de la moral´, exigiéndose a sí mismos realizarla, era tan sólo, si se lo mira a su verdadera luz, una forma docta de la creencia candorosa en la moral dominante, un nuevo medio de expresión de ésta, y, por tanto, una realidad de hecho dentro de una moralidad determinada, más aún, en última instancia, una especie de negación de que fuera lícito concebir esa moral como problema: - y en todo caso lo contrario de un examen, análisis, puesta en duda, vivisección precisamente de esa creencia.” Nietzsche es qüestionà seriosament i profundament el valor dels valors i, sense falsejar la veritat -això sempre fa de mal dir-, hom pot afirmar que aquell home interpretà com a “bo” allò que fins aleshores havia estat considerat com a “dolent”, i viceversa. La seva tasca l’anuncià d’aquesta manera: “Expressem quina és aquesta nova exigència : necessitem una crítica dels valors morals, cal qüestionar d’una vegada el valor intrínsec d’aquests valors . En aquest sentit, cal un coneixement de les condicions i de les circumstàncies de les quals sorgiren aquests valors, en les quals es desenvoluparen i canviaren (moral com a conseqüència, com a símptoma, com a màscara, com a esperit de Tartuf, com a malaltia, com a malentès, per bé que també com a causa, com a remei, com a estimulant, com a entrebanc, com a verí), un coneixement que fins ara no ha existit ni tan sols no s’ha cobejat.”
*

Però el mètode de Nietzsche, la sospita, no és unilateral, té el seu anvers i el seu revers. Això vol dir que el seu aparell conceptual no només ha de servir per a enderrocar, sinó que també pot servir per a erigir, la qual cosa significa que Nietzsche “no examina las cosas sin prejuicios e imparcialmente; las contempla ya desde la visión de su nuevo proyecto vital.” I això repercuteix, com ja havia donat bisos anteriorment, en la seva filosofia de la història.

En la segona Intempestiva, titulada Sobre la ventaja y la desventaja de la historia para la vida, Nietzsche distingeix tres postures diferents a adoptar davant la història. La història antiquària correspon a aquell tipus d’home que es limita a conservar, admirar, i a viure del passat i de la tradició. L’essencial d’aquesta postura és el record i la memòria. La història crítica es basa en la mirada i judici del passat amb els ulls del present. Una postura en vistes al present, a l’actualitat. La història monumental consisteix en una actitud que es projecta cap al futur de la humanitat. Una postura que sap veure en allò pretèrit les pistes i els senyals d’allò que ha de venir. Una postura vitalista, una filosofia del futur, el lloc de Nietzsche.

La història monumental és la història dels grans moments i de les grans figures de la humanitat, les quals representen l’antecedent del superhome. Nietzsche pensava primordialment en Napoleó i J. Cèsar, entre d’altres. Aquests homes van fer possible els grans moments de la història, els quals són, segons el filòsof, els moments de més alta intensitat vital que hagi conegut l’home al llarg de la seva existència.

L’adveniment del nihilisme, segons Nietzsche, era inevitable, i era entès pel seu autor com un període, com un pont pel qual s’ha de passar forçosament abans de l’arribada del superhome. L’home que ha creat la civilització occidental no el concep Nietzsche com a capaç d’ésser ell mateix. Però l’opció per la vida fa que pugui assolir el fi més alt que mai s’hagi imaginat. La seva voluntat el permet superar tots els prejudicis i compromisos morals als quals estava lligat fins ara. L’afirmació enèrgica de la vida recull les aspiracions a les quals l’home aspira des del renaixement. El superhome és ser, voler ser, domini de si i dels altres, no està sotmès a cap precepte moral ni a cap norma, perquè ell és la norma, se situa més enllà del bé i del mal. Per tant, l’home és quelcom a superar, un pont entre la bèstia i el superhome, no és un fi en si. Nietzsche veu en el superhome el pont que permet sortir del nihilisme en el qual es troba la cultura. És el fi al qual ha de tendir la dinàmica de la vida sempre i quan no faci cas dels ídols que l’envolten.

Crec que el vitalisme de Nietzsche es pot considerar, o ésser criticat, com a optimisme emmascarat. Certament, Nietzsche fou un gran demolidor d’ídols, però després va erigir els seus. Existeix una gran il.lusió al afirmar que aquest món és el caos, sense cap estructura fixe, i creure que amb la voluntat de poder adreçada pel superhome aquest món es pot posar sota control. Existeix una gran contradicció al sostenir que no hi ha progrés en la història i posar totes les esperances en un fantasma anomenat superhome. Destruir ídols per a crear-ne d’altres representa, per part de Nietzsche, col.locar-se al mateix nivell que Plató i el cristianisme. De fet, tant Nietzsche com E. M. Cioran són dos apassionats de la història, el que passa és que el segon ho dissimula millor que el primer. Heus aquí un esboç de la crítica que bé podria ser dirigida per E. M. Cioran a Friedrich Nietzsche: l’historicisme alemany deu bona part de la seva raó de ser en haver passat uns quants segles de felicitat. D’aquí la idea de progrés del segle XIX. Amb els balcànics, poble desgraciat, les coses han anat de molt diferent manera fins el punt que la història mateixa equival a la figura de l’anticrist. Nietzsche és un optimista, perquè en el fons segueix pensant amb el fil del segle XIX i, sobre tot perquè ens ha estafat: demolí ídols per a aixecar-ne uns altres. Què hauria estat Nietzsche sense el cristianisme? Certament, Nietzsche era un esperit lliure, molt lliure; un esperit fort, molt fort; però principalment fou un esperit religiós al qual no agradava la religió que fins aleshores havia imperat i, privilegis de la bogeria, decidí crear la seva pròpia doctrina amb els seus corresponents dogmes de fe: voluntat de poder, etern retorn, nihilisme i superhome.

*

Diu Eugen Fink en el seu llibre: “Cuando el programa vital, el proyecto de futuro de la vida decaen, el amontonamiento de saber histórico se convierte en un lastre, más aún, en un peligro para la vida. El hombre no aprende ya de la historia más que la resignación, la caducidad de todos los proyectos. La vida que no está ya llena de impulsos creadores para un futuro propio se refugia en el pasado, intenta olvidar el propio vacío con la plenitud ajena de una vida vivida.”6 La manca de fe en la història -“la història és indefensable”, diu Cioran- condueix a mirar-se-la des d’un racó. Poc o molt d’això li passa a l’autor de La caída en el tiempo.

*

La continuació lògica de tot el que acabo d’escriure seria un desenvolupament, més llarg o més curt, de les idees bàsiques que regeixen la visió que de la història té E. M. Cioran. Però això exediria el propòsit d’aquest treball. Valguin com a botó de mostra aquests fragments extrets del seu llibre Desgarradura:

Tal vez la historia sólo debiera inspirarnos sarcasmo, quizás no posea objeto... Aunque sí, lo posee, y más de uno incluso, lo que sucede es que los alcanza al revés. El fenómeno es universalmente verificable. Realizamos lo contrario de lo que perseguimos, avanzamos en contra de la hormosa mentira que nos propusimos.

La voluntad nunca ha servido a nadie: lo más discutible de cuanto producimos es lo que más apreciamos y aquello por lo que nos infligimos mayores privaciones; esto es tan cierto de un escritor como de un conquistador, de cualquiera en realidad.

Puede objetarse que hay también periodos serenos en la historia. Innegablemente existen, pero la serenidad no es más que una pesadilla brillante, un calvario conseguido .

El libre albedrío explica solamente la superficie de la historia, las apariencias que toma, sus vicisitudes exteriores, pero no sus profundidades, su desarrollo real, el cual conserva pese a todo un carácter desconcertante e incluso misterioso.

Sostener que el capricho, el azar, es decir, el individuo, no desempeña ningún papel en la historia es una necedad. No obstante, siempre que consideramos el devenir en su conjunto, el veredicto del Mahabharata acude invariablemente a nuestra mente: `El nudo del Destino no puede ser deshecho; nada en este mundo es el resultado de nuestros actos´.

El hombre hace la historia; a su vez la historia le deshace. El es su autor y su objeto, el agente y la víctima. Hasta hoy ha creído dominarla, ahora sabe que se le va de las manos, que se desarrolla en lo insoluble y en lo intolerable: una epopeya demente cuyo desenlace no implica idea laguna de finalidad. ¿Cómo atribuirle un objetivo? Si tuviera uno, sólo podría alcanzarlo una vez llegada a su término y de él no sacarían provecho más que los supervivientes, los restos ; sólo ellos se sentirían colmados, pues gozarían del incalculable número de sacrificios y tormentos que el pasado ha conocido. Visión demasiado grotesca e injusta. Si se desea a toda costa que la historia tenga un sentido, debe buscarse únicamente en la maldición que pesa sobre ella. El propio individuo aislado puede poseerlo solamente en la medida en que participa de esa maldición. Un genio maléfico preside los destinos de la historia; es evidente que ésta no tiene objetivo, pero se halla marcada por una fatalidad que lo suple y que confiere al devenir una apariencia de necesidad. Esta fatalidad, y sólo ella, es lo que permite hablar sin ridiculo de una lógica de la historia, -e incluso de una providencia, una providencia especial sin duda, y más que sospechosa, cuyos propósitos son menos oscuros que los de la otra, la supuestamente bienhechora, ya que logra que las civilizaciones cuyo destino rige se desvíen siempre de su dirección original para alcanzar lo contrario de lo que deseaban, para desmoronarse con una obstinación y un método que denuncian las maniobras de una fuerza tenébrosa e irónica.


(Aquest text tampoc no conté les notes a peu de pàgina pel mateix motiu que explico en la nota introductòria al text sobre Hannah Arendt. Demano excuses. El treball també forma part dels anys universitaris, entre 1990 i 1996)


BIBLIOGRAFIA

E. M. Cioran, En las cimas de la desesperación , Ed. Tusquets, col. Marginales 111, primera edició, gener de 1991.
Desgarradura , Ed.Montesinos, col. Visio Tundali/Contemporáneos nº. 70, segona edició, abril de 1989.

Eugen Fink, La filosofía de Nietzsche , Alianza Editorial, segona edició “El libro de bolsillo” nº. 37, 1969.

Friedrich Nietzsche, La genealogia de la moral , Ed. Laia, col. T. F. 1, segona edició, desembre 1982.
Más allá del bien y del mal , Ed. Orbis, col. Historia del pensamiento nº. 2, 1983.

Fernando Savater, Conocer Nietzsche y su obra , Dopesa nº. 2, octubre 1977.